O Grande Truque [The Prestige]

"Todo grande truque de mágica consiste em três atos. O primeiro ato é chamado "A Promessa": o mágico mostra à platéia alguma coisa ordinária… mas que naturalmente não o é. O segundo ato é chamado "A Virada": o mágico faz essa coisa ordinária fazer algo extraordinário. Agora, você está procurando pelo segredo… você não o encontrará, e é por isso que há um terceiro ato chamado "A Fascinação" ["The Prestige"]: esta é a parte das reviravoltas, onde as vidas ficam suspensas e você vê algo chocante que nunca havia visto antes."


Você está olhando atentamente??

O filme do diretor Christopher Nolan se passa na virada do século XIX para o século XX e conta a história de dois mágicos: Alfred Borden (Christian Bale) e Robert Angier (Hugh Jackman). No começo, os dois eram grandes amigos, até que um incidente separa os mágicos.

Nolan jamais subestima a inteligência do espectador. Ao contrário, ele empurra a platéia a momentos de reflexão.

A estrutura do roteiro, escrito pelo próprio Nolan e por seu irmão Jonathan, faz deste, o filme mais difícil do cineasta desde Amnésia. Com o constante vai e vém no tempo, sempre sem aviso ou rodeios, e narrações de diversos personagens, O Grande Truque é um filme que exige um cineasta de talento para se tornar atrativo aos olhos do espectador. Neste sentido, Nolan comprova mais uma vez sua habilidade em contar histórias, mantendo a narrativa segura, com foco não nos truques dos mágicos, e sim na rivalidade entre os dois, uma escolha que revela-se muito acertada.

Ao abordar a trama desta forma, O Grande Truque deixa de ser apenas um “filme de mágicos” para se transformar em um estudo da natureza humana. Nolan tem condições de explorar os personagens e suas motivações, enriquecendo a obra. Se a dedicação completa dos mágicos à sua arte impressiona, é a obsessão quase cega deles em destruir um ao outro que eleva o nível do filme.

Assim, com espaço para os personagens, quem ganha chance de destaque é o elenco. Hugh Jackman oferece aqui provavelmente a sua interpretação mais completa, construindo um personagem tridimensional que passa por diversas transformações na obra. Por outro lado, é difícil dizer que esta é a melhor interpretação de Christian Bale (o ator tem diversos grandes trabalhos), mas seu desempenho em O Grande Truque é o perfeito contraponto à atuação de Jackman. Bale cria um Alfred Borden completamente apaixonado por aquilo que faz, capaz de devotar sua vida a isso. É um homem muito mais frio do que seu rival, uma vez que não hesita nem em machucar aqueles a quem ama.

O elenco ainda traz o sempre ótimo Michael Caine na pele de Cutter como uma espécie de mentor dos mágicos, o engenheiro que inventa os truques. O ponto fraco fica por conta da assistente de palco Olivia Wenscombe (Scarlett Johansson), completa e totalmente desperdiçada em um papel pequeno, que certamente não condiz com seu talento e status.

É uma sensação extremamente agradável assistir a um filme como O Grande Truque, no qual é difícil antecipar o que irá acontecer no minuto seguinte e, muito menos, como tudo irá terminar.

Para mim, o ponto menos positivo do filme é referente à invenção utilizada por um dos mágicos. Ainda não fiquei totalmente convencida de que colocar algo, digamos, “impossível” na obra tenha sido a melhor alternativa, uma vez que diminui o talento de tais artistas ao mostrar algo que não é um truque – além, claro, de tirar um pouco da realidade da produção.

Uma curiosidade: Este é o 2º filme em que o diretor Christopher Nolan trabalha com os atores Christian Bale e Michael Caine. O anterior foi Batman Begins.

A Nova Onda do Imperador [Emperor´s New Groove]

Domingo, finalzinho de noite, sem muita coisa pra fazer e muito cansada, chamei meu amor pra assistir um filminho em casa, com direito a pipoca e coca-cola. Achei esse lá no fundinho da estante, escondido e não tive dúvidas: é esse que vamos assistir!

A Disney que (na época do lançamento desse filme - 2000) não vinha produzindo muitos filmes épicos de desenho animado, trouxe um filme que põe de lado todos aqueles traços realistas dos personagens e aquela multidão de efeitos especiais (será que é isso que chamam de 'magia Disney'?).

A história tem três personagens: Kuzco (na voz de Selton Mello), um imperador cruel que não tem o mínimo de piedade com seus empregados e com seu povo (ainda que não por maldade, mas por descaso); Yzma (na voz de Marieta Severo), a típica vilã Disney: exagerada, velha e cheia de maldades, com um capanga que faz tudo por ela; e finalmente Pacha, o camponês que vê sua aldeia, sua casa e sua gente ameaçada por um capricho do imperador.

Resumindo: o imperador Kuzco quer dar de presente a si mesmo um spa de férias e quer construí-lo no alto morro, onde fica a casa de Pacha. Enquanto isso, Yzma arquiteta um plano para destronar o imperador e assumir seu lugar. Porém, seu plano dá errado e ela transforma Kuzco em uma lhama e este acaba indo parar na casa de Pacha.

Agora o imperador Kuzco depende de Pacha para retornar ao seu palácio e ao poder, mas este só quer ajudar caso tenha garantias que não vá ter a sua casa demolida. Não querendo ceder no início, Pacha e a lhama Kuzco vão criando um laço forte de amizade à medida que enfrentam os perigos do retorno ao palácio.

A Nova Onda do Imperador é um filme com traços simples e personagens que são verdadeiras caricaturas de seus dubladores (David Spade - Kuzco, John Goodman - Pacha e Eartha Kitt - Yzma). As paisagens são bastante colorida e os diálogos e situações são engraçadíssimas. A trilha sonora é ótima e a dublagem convincente.Mesmo não sendo um daqueles filmes inesquecíveis, como O Rei Leão, é um dos mais divertidos da Disney.

Uma curiosidade: na versão dublada, as canções de A Nova Onda do Imperador foram cantadas por Ed Motta. Esta é a terceira vez que o cantor brasileiro participa de um desenho da Disney. As anteriores foram em Tarzan e O Corcunda de Notre Dame.

Pecados Íntimos [Little Chidren]

Tirem as crianças da sala!!! Não, não vou falar sobre filme pornô (esse é um blog de respeito, oras), mas não recomendo que você assista a esse filme acompanhado daquele seu sobrinho pentelho ou enquanto a sua filhinha de três aninhos curiosa estiver por perto.

Pecados Íntimos fala de Sarah (Kate Winslet), casada e mãe de uma menina. Sarah leva sua filha para brincar no parque. Sentada num banco, lendo seu livro, observa com certo distanciamento a conversa de três outras mulheres que também freqüentam o local com a mesma finalidade. A atenção delas é despertada pela presença do bonitão Brad (Patrick Wilson), que volta e meia aparece por lá com seu filho pequeno. Sem coragem de iniciar um diálogo, as moças o chamam de O Rei do Salão. Este, por sua vez, mesmo sem saber, desperta nelas desejos sexuais há muito escondidos.

Não demora para que Sarah e Brad, depois de uma brincadeira que dá errado, desenvolvam uma afeição mútua. E se tudo parece normal demais, surgem dois elementos externos às histórias de subúrbios que tornam a história intrigante e evidencia suas discussões. Volta à cidade, depois de cumprir pena, um pervertido, preso por exibir-se para uma criança. É como se um tubarão (a cena da piscina é poderosíssima para gravar essa imagem) entrasse numa pacífica lagoa. A outra é a entrada de Brad para uma liga amadora de futebol americano, atendendo aos apelos de um amigo antigo e ex-policial (Noah Emmerich), cujo hobby é incomodar o ex-presidiário e sua mãe todas as noites.

A história do pervertido, vivendo com a sua preocupada mãe (tão superprotetora quanto às do parquinho), é a melhor. Seria ele um sujeito realmente perigoso - seu ato o primeiro de uma série - ou alguém que errou uma vez, pagou o preço, e está de volta reabilitado? O personagem é vivido por Jackie Earle Haley, um antigo astro-mirim da década de 1970, que entrega-se totalmente ao trabalho.

Talvez o principal mérito de Pecados Íntimos esteja na construção dramática de seus personagens. As ações de Sarah e Brad, certas ou erradas, são coerentes com os respectivos sentimentos ao longo da trama. Não há pressa. Não há exageros. Nada soa forçado. Por mais reprovável e injustificável que seja, o adultério cometido pelos dois protagonistas surge como uma conduta perfeitamente compreensível no contexto da história. Por sua vez, a reação nada romântica de Ronnie ao final de um primeiro encontro amoroso, é por nós aceita como plenamente possível diante do momento dramático do personagem. Roteiro bom é isso: timing é o segredo de tudo.

Por melhor que seja o título nacional, teria sido melhor manter o original (Criancinhas ou Pequenas Crianças). Quem são as verdadeiras criancinhas? Seria Ronnie, o adulto infantilizado pela mãe dominadora? Seria o casal Sarah e Brad, imaturos na forma como tentam resolver suas próprias fragilidades? Seriam as próprias crianças, assustadas com a ameaça de um psicopata na casa ao lado? Seriam as três esposas do parque, que de tão fiéis à instituição do casamento, praticam sexo com hora marcada e nem percebem que o parceiro adormece durante o ato?

O desfecho tem um certo tom conformista, de aceitação, que inicialmente incomoda. Mas conforme passam as horas ele cresce e transcende o óbvio, respeitando seus personagens. Field e Perrota (roteiristas) sugerem que eles são todos cheios de falhas, mas o pervertido é o único que conhece as suas. De certa forma, é a única pessoa honesta na hipócrita comunidade - e a única capaz de amar de verdade e fazer sacrifícios em nome desse amor.

Destaque: a cena do adultério em cima da máquina de lavar. Não vou nem comentar.. vou deixar por conta de quem assistir.

Uma curiosidade: Foi Kate Winslet quem sugeriu Patrick Wilson como intérprete de Brad.

1408

Com um pouco de receio, resolvi assistir ao tão divulgado filme. Digo com receio porque, ultimamente, os filmes baseados na obra do mestre Stephen King têm sido verdadeiros acidentes de percurso. Desde À Espera de um Milagre, as obras desse autor não têm recebido a mesma atenção ao serem adaptadas para o cinema.

Mike Enslin (John Cusack) é daquele tipo que só acredita vendo. Depois da morte da filha e do fim do casamento, ele embarca em viagens para desvendar supostos fenômenos sobrenaturais. E é justamente o ceticismo de Enslin que nos indica o caminho que se pretende seguir: o do suspense e do desconhecido.

O filme se passa no que poderíamos chamar de tempo real e com uma estrutura diferente da que estamos habituados a ver. Tudo o que é importante está à vista, mas ao contrário do que é normal neste gênero de filmes, tudo é mostrado de forma inteligente e sucinta.

A realização extremamente competente traz planos geniais: o início do filme fala por si só. É graças às cenas no hotel - quando o gerente Gerald Olin (Samuel L. Jackson) encontra Mike, a ida até ao quarto (muito bem conseguida) e o plano da chave (genial) - que o filme se mantém coeso até muito próximo do final. O fato de também não terem recorrido aos efeitos digitais em excesso, torna o filme mais sólido. Apesar disso, nas cenas em que os efeitos são utilizados, foram feitas de forma acertada. Um ponto positivo: os mortos aparecem como uma cena de televisão dos anos 50. De bom gosto e original!

John Cusack é o homem do filme. É ele que carrega o filme nas costas com uma interpretação muito acima da média, aliás muitas vezes, trata-se de um monólogo; temos praticamente o filme todo só com John Cusack. Mas não é apenas na criação de Mike que Cusack se sai bem, afinal existe um outro personagem bastante importante: o apartamento. Em conjunto com a equipe técnica, o ator é essencial para a identificação do espectador. Enquanto um rádio insiste em tocar o trecho de uma música que diz: “estamos apenas começando” (We've only just began, da minha adorada Karen Carpenter), Cusack em dado momento do filme já estabelece diálogos com o imóvel.

Apesar dos sustos fáceis do estilo vulto + som alto, é mesmo o clima sinistro e o terror psicológico que deixam 1408 acima da atual média dos filmes de terror.

Porém, não posso deixar de apontar aquilo que considero ser menos bom: o final. Sem querer contar muito, o final é exageradamente confuso, extenso, desconexo e descontextualizado de todo o resto, com repentinos avanços e retrocessos que deixam o espectador sem saber onde se situar e principalmente sem perceber o desfecho do filme.

Mesmo deixando muito em aberto alguns aspectos do filme, como por exemplo, o que há realmente no quarto ou quem mandou o maldito postal que levou Enslin a ir ao Hotel Doplhin, 1408 é, com certeza, um dos melhores filmes do gênero que vi ultimamente. Ótimo entretenimento com uma rotina de terror bem conseguida independentemente do ponto de vista.

Uma curiosidade: há diversas referências ao número 13 ao longo do filme. Uma delas é o próprio título, cuja soma dos números dá exatamente 13.

O Show de Truman [The Truman Show]

Depois de comer muita lasanha, tomar muita coca-cola e jogar muito mau-mau (Uno, para os menos familiarizados com o nome), cheguei em casa e, sem conseguir dormir, liguei a tv. Estava passando 24 horas (que não me chamou a atenção). Liguei o timer e virei pro lado. Poucos minutos depois, ouvi a vinheta do Intercine. Aumentei o som e desprogramei a tv. Afinal de contas, filme é filme. E, para a minha sorte o filme era nada mais nada menos que O Show de Truman.

Estrelado por Jim Carrey, o filme conta a história de Truman Burbank (Carrey), que vive na pacata ilha de Sea Heaven, trabalhando em uma empresa de seguros, com um casamento aparentemente feliz com a enfermeira Meryl e com amigos e vizinhos que gostam muito dele.

O que difere Truman dos outros milhões de norte-americanos classe média é que a única coisa real que existe em Sea Heaven é ele mesmo. Todo o resto, desde as pessoas mais próximas até os pedestres, são atores contratados para dar-lhe a ilusão de falsa realidade e a cidade não passa de um imenso cenário, o maior e mais tecnológico já construído pelo homem.

Seu diretor, Christof (Ed Harris), observa e comanda tudo através de um estúdio que monitora todas as 5000 câmeras existentes na cidade e ele fica escondido atrás da bela lua que permeia o céu artificial da noite de SeaHeaven.

A vida de Truman é televisionada 24 horas por dia e ele é o primeiro homem que, há 30 anos, tem sua vida completamente controlada pelos outros. Todas suas decisões são acompanhadas e até seus interesses amorosos e suas relações familiares foram praticamente “impostas” pelo diretor do programa. O único problema é que Truman não pode sair da cidade (afinal, isso significaria o fim do programa) e toda a produção se esforça para mantê-lo lá, como um prisioneiro.

Assim, toda a sua vida nada mais é do que um roteiro de televisão e o programa, denominado "O Show de Truman", torna-se o maior sucesso no mundo inteiro. Quando, depois de muitos anos, descobre que tudo não passa de uma farsa, ele inicia uma luta para fugir do gigantesco cenário e viver sua própria vida.

No melhor estilo Big Brother, O Show de Truman é um dos melhores filmes do diretor Peter Weir (de Sociedade dos Poetas Mortos).

O filme conta com 3 indicações ao Oscar: melhor diretor, melhor ator coadjuvante (Ed Harris) e melhor roteiro original e ganhou 3 Globos de Ouro: melhor ator - drama (Jim Carrey), melhor ator coadjuvante (Ed Harris) e melhor trilha sonora. Foi ainda indicado em outras 3 categorias: melhor filme (drama), melhor diretor e melhor roteiro.

Uma curiosidade: todas as ruas da cidade onde reside Truman Burbank têm nomes de atores, como Lancaster Square ou Barrymore Road.

Hounddog [pré-crítica]

Pesquisando um tema para o post de hoje, li uma notícia que me deixou um tanto quanto 'perturbada', se é que essa é a palavra certa. Hoje, 23 de fevereiro, é aniversário da queridinha mirim de Hollywood, Dakota Fanning (de Guerra dos Mundos e Amigo Oculto). Até aí, nada de perturbador.

Porém, o nome da loirinha vem associado à polêmica que gira em torno do filme Hounddog, que teve sua estréia no dia 22 de Janeiro de 2007, no Festival de Sundance (o mais importante festival de cinema dos Estados Unidos para filmes feitos fora dos grandes estúdios de Hollywood, e os filmes exibidos no festival frequentemente tratam de temas sombrios que os estúdios rejeitam.)

No filme, Dakota (14 anos completados hoje) interpreta uma pré-adolescente, fã de Elvis Presley, que sofre abusos sexuais repetidamente. A pequena atriz aparece nua e em uma cena chocante de estupro (segundo a sinopse).

Os produtores enfatizaram que a cena de estupro foi cuidadosamente coreografada. O agente de Dakota Fanning declarou: "Não é apenas uma cena de estupro. A história inteira desafia Dakota como uma atriz. Eu nunca estive tão orgulhoso dela em minha vida. Em cada cena ela fica melhor e melhor".

Apesar das críticas, Joy Fanning, mãe da atriz, defende o filme: “Este é um filme que mostra a realidade e infelizmente isso acontece na vida real. Dakota tem muito orgulho do que fez e não aparece nua”. Em entrevista, Dakota dise: “Vocês têm de preparar os seus filhos para as coisas que acontecem no mundo. Nem tudo é cor-de-rosa.”

Alguns críticos ainda tentam justificar dizendo que a cena tão comentada e criticada dura menos de um minuto e nela só aparece o rosto e as mãos de Dakota Fanning.

Penso seriamente se estou pronta para ver um fime desses. Nunca gostei de filmes que fazem apologia à violência sexual, especialmente violência contra crianças e adolescentes.

Me embrulha o estômago (e isso não é só uma pré-crítica) o fato de uma mãe não se importar com as cenas, a ponto de dizer que isso a deixa orgulhosa.

É ficção? É. Mas até que ponto devemos abrir mão dos nossos preceitos para aceitar esse tipo de ficção-apelativa? Não ficou clara pra mim a diferença entre esse tipo de veiculação de imagem 'fictícia' e aquela tão enfaticamente condenada. É uma linha muito tênue essa que divide o considerado 'entretenimento' e o que eu considero pedofilia.

Criança tem que cuidar de coisas de criança, pois o que as espera na maturidade já é ruim o bastante pra ser antecipado na infância.

O Caçador de Pipas [The Kite Runner]

Ontem tive o prazer da companhia agradabilíssima da minha amiga Cinthia. Aproveitamos que nossos gatos trabalhariam até mais tarde e marcamos um cineminha, com direito a muitas fofocas antes da sessão e pipoca, chocolate e coca-cola durante a sessão.

Baseado no best seller de Khaled Hosseini, o filme conta a história emocionante dos amigos Amir e Hassan, dois garotos afegãos, cuja amizade vai muito além das brincadeiras e dos campeonatos de pipa.

Amir é um jovem privilegiado: pertence à etnia dominante do país (pashtu), freqüenta a escola, mora em uma bela casa e seu pai é um rico homem de negócios e figura conhecida de Cabul. É órfão de mãe e um jovem relativamente frágil. Hassan é o oposto. A única semelhança com o amigo é a ausência da presença materna em sua vida. É analfabeto e, assim como o seu pai, é serviçal na casa de Amir. Faz parte da minoria hazara, etnia menos abastada, geralmente discriminada e odiada no Afeganistão. Hassan é corajoso, companheiro e protetor do solitário Amir, que luta pela atenção do pai. Há um laço de amizade não apenas entre os garotos, mas também entre seus pais. O pai de Amir trata todos como sendo da mesma família.

Hassan é eternamente fiel ao amigo, sentimento que em alguns momentos faz despertar revolta em Amir. Dentre várias brincadeiras e idas ao cinema com direito à coca-cola quente, um dos passatempos dos dois é a leitura. Amir fascina Hassan ao ler contos populares para o amigo analfabeto.

As pipas são o passatempo de inverno predileto dos jovens. Anualmente, um campeonato de pipas agita Cabul. Amir sonha em ganhar o campeonato para provar seu valor ao pai. Antes da competição, Amir parece desistir. Porém, mais uma vez, Hassan está ao seu lado e o ajuda a vencer o medo. Após a competição, acontece algo que muda a vida de Amir. Hassan é brutalmente violentado por três jovens. Amir presencia tudo, mas nada faz para ajudar o amigo. Decide não contar aquilo para ninguém. Mesmo após migrar com o pai para os Estados Unidos, durante a invasão soviética, o fantasma daquele dia ainda o atormenta.

Amir se torna escritor, se casa (com direito a Dança do Acasalamento e Dança do Arrocha - piada interna), mas não consegue esquecer sua falha com Hassan. Um dia, ele recebe um telefonema de um amigo que morava no Paquistão e finalmente tem a chance de reparar o erro do passado. Amir volta a sua terra natal e enfrenta uma realidade cruel.

Muitos anos se passam e Amir tem que voltar para sua terra natal para corrigir seus erros do passado, deparando-se com uma revelação que mudaria o curso de sua vida. Não contarei pra não perder a graça!O Caçador de Pipas é perfeito em todos os sentidos, a história, os atores, a cinematografia. É tudo tão impressionante que fica impossível de se adivinhar que o Afeganistão do filme na verdade é a China da vida real.O filme faz o público se apaixonar pela a atuação das crianças Zekeria Ebrahimi (Amir) e Ahmad Khan Mahmidzada (Hassan) e com o realismo que eles emprestaram aos personagens, assim como o ator que interpreta o pai de Amir (Homayoun Ershadi). O elenco é maravilhoso, especialmente o garoto que interpreta Hassan, um personagem que é verdadeiramente inesquecível. O script reflete o cuidado com que o autor, diretor e produtor colaboraram para contar uma história real.

Destaque¹: o diálogo dos dois amigos logo no início do filme. Amir pergunta a Hassan se ele teria coragem de comer terra, caso ele o pedisse. Hassan imediatamente retruca: - “Claro que comeria, mas você não me pediria uma coisa dessas, pediria?”

Destaque²: a música simplesmente LINDA da cena em que Amir (já adulto) acha que perdeu Sohrab. Quem é Sohrab? Assista o filme pra saber!

Curiosidade: em várias das cenas em que as crianças estão empinando pipas elas na verdade estavam empinando balões, com as pipas sendo inseridas na pós-produção.

SEVEN – OS 7 PECADOS CAPITAIS [SE7EN]

Quem me conhece sabe que filmes sobre serial killers simplesmente me fascinam. Perco horas lendo sobre o assunto, pesquisando na Internet, assistindo filmes, claro! E quem me apresentou a esse assunto foi meu irmão. E hoje, aniversário dele, resolvi homenageá-lo com este post, se é que se pode chamar isso de homenagem.

Seven foi o primeiro filme sobre serial killers que eu assisti na minha vida. E foi junto com meu irmão. Na época, eu era muito novinha, ficava com medo de tudo, inclusive das cenas de morte nesse filme. Depois de um tempo, assisti novamente, e novamente. E hoje, em se tratando de filmes de assassinato em série, este é um clássico.

Diferente dos filmes de psicopatas adolescentes que matam casais de namorados por ordem de cachê, Seven segue a outra linha de enredos de serial killers hollywoodianos. Estou falando daquela categoria igualmente clichê de filmes policiais onde o grande detetive tem de desvendar pistas obscuras para capturar o assassino antes que este faça outra vítima. Mas Seven se destaca entre seus “companheiros” de enredo com seu bom, sólido e, principalmente, perturbador roteiro.

Fugindo à regra de que todo grande policial precisa dar grandes “sacadas” para seguir a trilha do bandido, vemos em Seven policiais que, apesar de darem suas “sacadas”, realmente ficam perdidos e desorientados ao enfrentar um assassino metódico e muito, muito cruel.

A história se passa em Los Angeles, onde o detetive Somerset (interpretado pelo veterano Morgan Freeman) está a uma semana de se aposentar e, em sua última investigação, ajuda o detetive Mills (Brad Pitt), novato na cidade, a se familiarizar. Mills acabou de chegar com sua mulher (interpretada por Gwyneth Paltrow) à Los Angeles, após trabalhar alguns anos no interior.

Juntos, Mills e Somerset vão investigar uma desagradável cena de crime onde um homem imensamente gordo foi amarrado e, aparentemente, obrigado a comer até a morte. Atrás da geladeira eles encontram, escrita em gordura, a palavra “GULA”. Pouco tempo depois um famoso advogado da cidade é violentamente assassinado, e a palavra “COBIÇA” está pintada na parede, com seu próprio sangue.

Somerset, após anos de experiência, percebe que se trata de um assassino serial que estaria matando pessoas de acordo com os sete pecados capitais: gula, cobiça, preguiça, luxúria, vaidade, inveja e ira.

A perseguição então se torna uma “visita” a mente de um psicopata e aos mais profundos esconderijos da maldade humana, em uma seqüência de crimes extremamente perturbadora e chocante, que deixou muita gente sem dormir depois do filme, inclusive eu.

O toque final nessa obra de arte é por conta de Kevin Spacey, que nos dá uma aula de interpretação fazendo o papel do assassino, John Doe (curiosidade: John Doe é um nome usado no jargão policial para identificar um desconhecido, um “Zé Ninguém”). A cara de indiferença do ator caiu como uma luva no papel do frio psicopata.
”Seven” é com certeza um filme de peso. Ele é bem reflexivo e angustiante. Toca em assuntos pesados, faz o espectador pensar em coisas que, só de lembrar, deixam-no arrepiado.

O enfoque psicológico do filme foi feito sob medida para deixar todo mundo deprimido, achando que o mundo é um lugar horrível de se viver. Tudo isso é graças à David Fincher, diretor dos também bem sucedidos “Clube da Luta” e “Quarto do Pânico” (que ficam para outra ocasião), que sabe como criar um filme pesado, um cenário deprimente e sujo, enfim, tudo que se precisa quando se quer falar do bestialismo da natureza humana.

Uma curiosidade: o número 7 aparece em diversos momentos ao longo do filme. O detetive Somerset é convidado para jantar às 7 p.m., o clímax de Seven deveria ocorrer às 7 p.m. e todos os prédios que aparecem na cena de abertura começam com o número 7.

O Auto da Compadecida

Depois de ler o livro e assistir (repetidamente) o filme, acabei comprando o box (cd + minissérie) de O Auto da Compadecida. Aliás, muitas cenas hilárias ficaram de fora no filme, por exemplo o episódio “O gato que descomia dinheiro”. Pra quem não assistiu, eu explico: João Grilo (Matheus Natchergaele) e Chico (Selton Mello) quem convencer sua patroa Dora (Denise Fraga) de que eles possuem um gato que descome (caga) dinheiro. Agora, imaginem vocês a cena: João Grilo com uma moedinha em uma mão e segurando o rabo do gato erguido.. já pensou no resultado??? Miauuuuuuuuu.
Mas vamos falar do filme.

Com direção de Guel Arraes, adaptado da peça de Ariano Suassuna, teve sua estréia no cinema em 1999. Filmado no nordeste do Brasil, o filme retrata a história de João Grilo), um nordestino mentiroso que luta por sua sobrevivência e que ao lado do covarde amigo Chicó tenta enganar os poderosos da sociedade.

A Igreja era completamente manipulada pelo dinheiro, e Suassuna deixa isso transparecer ao mostrar a corrupção do padre João (Rogério Cardoso) e do bispo (Lima Duarte). Estes, mesmo sendo ameaçados de morte pelo cangaceiro Severino (Marco Nanini), se recusam a entregar todo o dinheiro das ofertas, quem sabe intencionando comprar um bom lugar para onde estavam sendo mandados.

Na cena em que Nossa Senhora Aparecida (Fernanda Montenegro) intercede junto a seu Filho pelos homens, Suassuna levanta uma questão quanto à autoridade de Jesus. Mostra um Jesus submisso às vontades de sua mãe, ou melhor, somente acatando as decisões tomadas por ela.

Quando as ações dos personagens entram em conflito com a Igreja, geram algumas reflexões sobre os dogmas da Igreja. Defendendo seus "filhos", Jesus (Maurício Gonçalves) argumenta que todos são iguais diante de Deus ou do Diabo.

As cenas finais de O Auto mostram um julgamento e uma briga entre Deus e o Diabo - para decidir o futuro das almas dos personagens.

O momento mais chocante do filme é quando aparece um Jesus negro. Espanto enfatizado pelos próprios personagens ao verem um Jesus completamente oposto ao que sempre imaginaram.

O filme questiona a inclinação do homem para a maldade, o medo da morte vivenciado pelos atores, e o perdão o qual todos têm direito. A história termina com um contexto social, destacando a terra pobre, falando sobre os retirantes que vão para o litoral em busca de uma vida melhor. E critica a sociedade comparando o inferno com uma repartição pública que existe, mas não funciona.

O Auto da Compadecida é uma crítica em vários aspectos, onde revela toda a sujeira da sociedade e não esquece de todas artimanhas usadas pela Igreja e seus representantes. Onde um Jesus diferente foi preciso para determinar de uma vez por todas o preconceito embutido nessa sociedade capitalista.

Uma curiosidade: O Auto da Compadecida foi o primeiro filme feito inteiramente pela Globo Filmes, desde a idéia até seu desenvolvimento. Como isso aconteceu?

Não sei, só sei que foi assim que o cinema brasileiro vem crescendo a cada dia.

Ace Ventura - Detetive de animais [Ace Ventura - Pet detective]

No tempo ocioso que me resta, eu gosto de ficar “navegando” nos canais de televisão à procura de algo interessante.. aliás, coisa difícil nos últimos tempos, exceto pelos filmes. E hoje foi uma tarde dessas. Até que me deparei com a chamada da Sessão da Tarde, na Globo, anunciando essa deliciosa comédia de Tom Shadyac.

O primeiro de dois filmes é de 1994 e conta com a participação de atores como Dan Marino (interpretando ele mesmo), Sean Young (de Blade Runner) e Courtney Cox (a repórter Gale do filme Pânico), além, é claro, de Jim Carrey, que dispensa maiores apresentações.

Carrey interpreta um detetive lunático especializado em animais: se você quer encontrar seu passarinho fugitivo ou cachorro com pedigree que foi seqüestrado, este é o homem.Quando uin golfinho, mascote do time de futebol americano Miami Dolphins, é roubado logo antes da final do campeonato, Ace Ventura é chamado para solucionar o desaparecimento.

Logo em seguida, o craque do time, Dan Marino, considerado um dos maiores quarterbacks de todos os tempos também desaparece. Ace Ventura logo avisa que não investiga pessoas e deixa o assunto para a polícia.Mas quem iria querer roubar um golfinho, e para quê? Num crime tão pouco usual, de nada adiantaria um detetive normal. Por isso, ninguém mais apropriado que Ace para tratar desse caso.

Para ser um detetive de animais de estimação, é preciso entender tanto de criminosos quanto de animais. Ace Ventura vai além: ele se comporta como um animal criminoso. Seu apartamento lembra um mini zoológico, com um gambá no cesto, uma lontra no vaso sanitário e dois pingüins (de verdade) na geladeira, além de esquilos, lagartos, guaxinins e outros animais.

O destaque do filme, claro, é o humor físico do iniquieto e incansável Carrey, que usa e abusa do nonsense. No melhor estilo clown, ele demonstra preparo físico e muita flexibilidade farejando a pista do golfinho às vezes, literalmente.

Carrey parece feito de borracha, e é divertido esperar para ver o que ele vai fazer com o próprio corpo a comparação com o comediante Jeny Lewis é inevitável.Alguns jogadores do time de futebol profissional também têm participação especial no filme, inclusive o astro Dan Marino.

Durante suas investigações pouco ortodoxas, ele conquista a bela diretora de Marketing do Dolphins, Melissa Robinson (Courtney Cox, da série Pânico), que enxerga uma insuspeitada beleza interior sob aquela estranha superficie, de penteado lembrando um Elvis exagerado, roupas cafonas e comportamento para lá de inapropriado.Observando o comunicar se com seu próprio cachorro, Melissa fica tocada com a sensibilidade de Ace. "Você ama os animais, não é mesmo?", pergunta. "Se esfriar o suficiente...", rebate o irreverente investigador.

Entendido por alguns como uma sátira aos filmes de investigadores particulares, o filme conta com algumas curiosidades, como:
O nome da clínica mental que aparece no filme, "Shady Acres Mental Hospital", é uma referência ao nome do diretor Tom Shadyac.
Em determinada cena, aparece em cima da mesa da Tenente Einhorn (Sean Young) uma anotação com a data 17 de janeiro. Esse é o dia do aniversário de Jim Carrey.
Foi idéia do próprio Jim Carrey colocar a turma do Cannibal Corpse no filme, porque esta é a banda predileta do ator. A música que eles tocam, "Hammer Smashed Face", faz parte do terceiro álbum da banda, chamado "Tomb of the Mutilated".

Quanto à trilha sonora, o filme não deixa a desejar. Conta com “Line Up” do Aerosmith, Missão Impossível (clássicaaa!) e “The Lion Sleeps Tonight” (quem não lembra dessa musiquinha em O Rei Leão?).

No MTV Movie Awards, Jim Carrey foi indicado na categoria ‘melhor comediante’

Uma feliz coincidência: nos EUA o filme teve sua estréia no dia 04 de fevereiro de 1994. Meu aniversário!!!!

Meu nome não é Johnny

Assisti, recentemente e em boa companhia (com meu lindo namorado Rafael e meus queridos amigos Cinthia e Flávio), o filme MEU NOME NÃO É JOHNNY.

Selton Mello protagonizando o primeiro lançamento nacional do ano recém chegado e mostrando que trabalhador que rala de verdade, não descansa. Digo trabalhador porque Selton atuou, deu palpite na escolha do elenco e ajudou a escrever os diálogos, como se não pudesse evitar a intromissão.

Interpretando pela primeira vez um personagem que "estava a seu lado", ele revive algumas histórias da vida de uma lenda urbana carioca: João Estrella. Jovem da classe média-bem-relacionada, João era moleque quando fumou seu primeiro baseado, meio ao acaso. No filme, o papel do carinha que descola o primeiro pra ele é interpretado por Rodrigo Amarante, também conhecido como baixista do Los Hermanos. Daí João foi crescendo e o vício também. Um dia ele se viu vendendo, ganhando e gastando mais do que imaginava e não soube a hora de parar. E chegou num tribunal, viu a mãe ali chorando e foi parar no meio dos loucos e se tornou ainda mais humano. Saiu de lá gente grande.

De tão carismático, João ganhou até um livro sobre a própria história, escrito por Guilherme Fiúza, de onde saíram as situações que deram origem ao filme. Júlia Lemmertz faz o papel da mãe de Estrella, que no final das contas foi a última a saber de tudo. Cléo Pires interpreta a namorada Sofia que esteve ao lado dele em boa parte da jornada. Aliás, Cléo e Selton estão bem afinados. Afinados também são os diálogos que você imagina surgindo normalmente naquelas situações, principalmente se você conheceu algum cara boa praça como o João.

Rafaela Mandelli, que foi protogonista da "novelinha" Malhação por uma ou duas temporadas, se destaca no papel da amiga que também passa por várias metamorfoses dentro da história. E a história se desenrola dentro dessa perspectiva: As várias etapas, a oscilação de alguém que conhece o auge da juventude sem muita noção de limites, e acaba pagando sua pena e voltando à vida normal.

Selton Mello encarnou o seu próprio “Johnny”, o que deu mais charme à trama. Muitos dizem que a história contada dessa forma heroiciza demais o personagem. Mas afinal, ele é um personagem, não? Mauro Lima dirigiu Tainá 2 por encomenda, e caiu no projeto de "Meu Nome Não É Johnny" também por convite. E apesar de não ser um projeto "pensado" por ele, conduziu o filme pela linha pop que ele precisava ter.

Em tempos de Tropa de Elite ninguém escapa a uma comparação, a uma pergunta. E sabe, melhor dizer que os dois filmes não se parecem, porque não se parecem mesmo. Os dois talvez lidem com a mesma coisa por prismas diferentes e um pode até abafar o outro, porque em cinema às vezes a subjetividade perde pontos frente à ação. Melhor separar cada um e deixá-los em seus devidos lugares para não julgar errado.

Selton disse que até foi convidado a participar do Tropa. Seria "aquele que pede pra sair", mas já tinha acertado com Mariza Leão sua participação no Johnny. E ele fez bem, porque era preciso alguém como ele pra trazer à tela esse homem-humano.

A história é interessante. A direção coerente. Mas falta à trama uma universalidade maior que transmita a idéia de reconhecimento com o personagem, que é ele mesmo a essência do filme. A fábula do vim-vi-e-venci soa meio piegas. Tudo bem, foi bonito isso, mas e daí? Ressaltando, o melhor desse filme são seus personagens e suas histórias. Segue um ritmo gostoso de ver, mas quando passa a ser sério, perde a graça. Quem gosta do Selton deve ir. E quem gosta de cinema brasileiro, também.

A Fantástica Fábrica de Chocolate [Willy Wonka and the Chocolate Factory]

Não li o livro original!!! Começo com essa sentença para alertar que não estarei apto a fazer correlações entre ele e o filme dirigido por Mel Stuart. Sei apenas, de leitura e opiniões de quem já leu e assistiu ao filme que há muitas diferenças entre ambos. Não importa! A Fantástica Fábrica de Chocolate (ou Willy Wonka and the Chocolate Factory no original) é um filme mágico.

Todos os seus atos são praticamente perfeitos, e existem cenas inesquecíveis em cada um deles. Também não entrarei em questão alguma sobre o que existe por trás dos filmes. Há até hoje muita falação sobre o roteirista que não gostou da versão final, do autor que detestou o filme, enfim, isso não é o ponto em foco nesta crítica. Finalmente, não entrarei em comparações com a nova versão da história lançada recentemente.

Charlie é um menino muito pobre que vive com seus quatro avós e a sua mãe em uma casa caindo aos pedaços. É possível, em todos os momentos, sentir a dor da família, mas esta sempre se contrasta com a alegria e esperança de Charlie por um futuro melhor, digno. Ele tem fortes esperanças de trazer ao menos um pouquinho de alegria para seus familiares. Quando o grande e misterioso Willy Wonka promove um concurso que abrirá para cinco felizardos as portas de sua ainda mais misteriosa fábrica de chocolate, essa esperança acende-se mais forte do que nunca.

A batalha não será fácil: sem dinheiro para comprar chocolates e procurar por um dos tickets premiados, Charlie é um mero espectador desse evento mundial. Seu professor (figura bizarra) caçoa dele por não ter comido centenas de barras de chocolate como todas as outras crianças - esta é a imagem da tristeza, quando começamos a sentir por Charlie e a torcer por seu personagem. E, quando o espectador importa-se com um personagem, ele vai se interessar muito mais pelo filme.

Todos os quadros apresentando as crianças premiadas (obviamente Charlie, por sorte do destino, acabará sendo uma delas) são únicos, possuidores de um humor cruel e adulto. Embora marqueteado até hoje como um filme infantil, apenas os mais crescidos, se lhe interessarem, poderão desfrutar das sutilidades que o roteiro apresenta, um estilo peculiar que se demonstra bizarro e cômico ao mesmo tempo.

Mas ainda nem chegamos na fábrica de chocolates! É onde o magnífico Gene Wilder entra em ação, como Willy Wonka. Com uma cena de introdução meio que improvisada (uma cambalhota inesperada e estupidamente divertida), ele mostra, à princípio, ser uma figura amistosa e muito simpática. Claro que essa impressão inicial não durará para sempre...

As coisas vão ficando mais e mais estranhas quando as crianças entram na fábrica. Contratos esquisitos com linhas ilegíveis, salas com todos os objetos cortados pela metade, tiradas inteligentes e rápidas de Wonka, ironias para com as crianças mal-educadas e seus pais irresponsáveis. O filme, num todo, é uma grande lição de moral para os pais. No final a mensagem apresentada é lindíssima e consegue fugir da pieguice, ainda mais se considerarmos a época conturbada em que o filme foi realizado. Uma mensagem que hoje seria considerada simples e muito clichê, mas que encaixou-se como uma luva no filme.

A direção de arte é um caso que deve ser discutido à parte. Muitos a consideram simplesmente de mal gosto - isso nos dias atuais. Que nada! Ela é belíssima. Com recursos bem limitados e efeitos especiais quase que nulos, o filme ainda hoje apresenta um visual estonteante. Não é difícil soltar a imaginação e deixar-se levar pela idéia de você ser uma daquelas cinco crianças sortudas. A cada nova sala da fábrica que o grupo de visitantes adentra existem inúmeras surpresas, algumas esquisitas, algumas divertidas, algumas bizarras, algumas com nomes estranhos, com aparência estranha, com barulhos estranhos. Fica complicado não se repetir ao afirmar que é um grande e impressionante mundo mágico.

Os Oompas Loompas - trabalhadores da fábrica - são figuras assustadoras. Anões de pele laranja e cabelos verdes que gostam de cantar canções bizarras (mas estas até hoje permanecem na minha cabeça) e fazer acrobacias. Ao lado de Willy e da direção de arte, são o coração da fábrica e do filme. Visualmente são os elementos mais inesquecíveis e musicalmente, também.

Charlie é possivelmente o melhor filme infantil voltado para mentes adultas. Pode ser sim apreciado por crianças, mas só será totalmente aproveitado por adultos com um mínimo de esperteza e boa vontade. Embora já tenha mais de três décadas de vida, apenas algumas cenas aparentam ser tecnicamente datadas. Já seus personagens não - estão serão eternos enquanto durarem. Uma obra-prima e um filme imperdível, que merece ser adquirido em qualquer mídia possível para ter e ver e rever muitas vezes.

Cantando na Chuva [Singing in the Rain]

Em um grande estúdio de Holywood no final dos anos 1920, uma famosa dupla de atores do cinema mudo tenta adaptar-se ao novo cinema falado.

Muito antes de John Travolta fazer sucesso nos embalos de sábado, Gene Kelly já arrebentava dançando na chuva e nas telas do cinema. Cantando na chuva é considerado o melhor musical de todos os tempos, o legítimo representante da época de ouro dos musicais.

O filme mostra todo o romantismo, o luxo, o glamour e uma certa ingenuidade – marcas registradas do gênero. Os números musicais são os melhores já produzidos com destaque para as performances de Kelly dançando sozinho, com Donald O’Connor ou com Cyd Charisse. Outro destaque é a atriz Jean Hagen como a estrela insuportável de voz estridente.

Em mais uma injustiça memorável, tudo que Cantando na chuva conseguiu na Academia foi duas indicações para o Oscar: Melhor atriz coadjuvante (Jean Hagen) e direção musical. O roteiro é ótimo, além de satirizar os primeiros anos do cinema falado, faz uma paródia do próprio cinema, dos atores e do universo de Holywood.

Mesmo com essa visão irônica, o filme é um registro do cinema da época e retrata um momento histórico: A passagem do cinema mudo para o falado. Aborda também a polêmica discussão Teatro versus cinema, através da personagem de Debbie Reynolds que em princípio defende a nobreza do teatro como o pai das artes cênicas. Mas, no final, rende-se ao glamour do cinema, pregando sua magnificência e massageando mais uma vez, o ego insaciável de Holywood.

Cantando na chuva é um momento de rara beleza do cinema, é pura diversão.

Ilha das Flores - Encontro marcado com a miséria

A miséria é o tópico central do premiadíssimo trabalho do diretor Jorge Furtado. A utilização de um título que contradiz a trama desenvolvida ao longo dos 13 minutos de duração do curta-metragem foi uma das ótimas idéias apresentadas nesse trabalho. Mas não é a única.

A exposição didática das idéias, de forma encadeada, amarrada às informações, na medida em que elas aparecem na narração sólida e segura do ator Paulo José, constituem o eixo em torno do qual acabam gravitando os espectadores.

O ritmo alucinado utilizado para que fiquemos sabendo sobre os tomates do Sr. Suzuki, o perfume de dona Anete, o surgimento do dinheiro e as peculiaridades dos seres humanos (o polegar opositor e o tele-encéfalo altamente desenvolvido), nos dá pouco tempo para refletir sobre toda a informação e exige que acabemos assistindo ao vídeo duas ou até mesmo, três vezes.

Outra característica marcante do curta-metragem Ilha das Flores é a profusão de imagens. É como se tudo fosse uma verdadeira colagem feita pelo diretor e pelos editores do filme. As imagens se sucedem na medida da necessidade de explicação de um conceito apresentado no texto. Chega a ser um tanto quanto enlouquecedor e, nesse aspecto, reside um dos fatores que torna o filme imperdível, todos (inclusive e, especialmente, os alunos) prestam atenção o tempo todo.

O mais importante, porém é que "Ilha das Flores" coloca em pauta a discussão acerca da pobreza, da fome e da exclusão social. Levando-se em conta que foi produzido em 1989, dá para perceber que as coisas não mudaram muito entre o Brasil daquela época e o de hoje...

p.s.: o vídeo completo pode ser achado no Youtube. só não postei aqui pois são 3 partes.